BEN SLEEUWENHOEK Frammenti iconografici e suggestioni cromatiche

Ho trovato una perfetta relazione tra la "natura" dello studio di Sleeuwenoek a Berlino e il suo lavoro, tra la grande luminosità che ampie vetrate raccolgono dalla luce di nord-est e la cultura 'limpida' delle sue opere, e ancora l'ordine che tavoli e librerie forniscono ad una volontà estetica compositiva. Tutto sembra condotto verso la ricerca di un equilibrio tra dati la cui diversità non spaventa il suo artefice; l'elaborazione di un'opera risulta il frutto esemplare di una sapienza espressiva maturata nel tempo. Attraverso un controllo attento degli strumenti linguistico-visivi, in particolar modo adattando il collage alle sue necessità espressive, Ben Sleeuwenhoek ha saputo promuovere il dialogo sperimentale tra frammenti iconografici e suggestioni cromatiche elaborando un patrimonio 'enciclopedico' di qualità; negli anni l'azione caleidoscopica di raccolta ha prodotto un vero e proprio "Archivio della Cultura e dell'Arte" confermando il ruolo del collage nella definizione a carattere progettuale della pittura contemporanea. L'ambito e le dimensioni globali della 'scrittura per immagini' vengono sottoposti da Sleeuwenhoek a indagine e revisione; sottoponendo ad un processo di rielaborazione frammenti e soggetti, temi e spunti, giunge a dar loro una nuova forma con risultati esemplari e un'impaginazione che non può essere messa in discussione. Tutto appare perfetto, ogni foglio compiuto, ogni pagina e ogni libro completato così che la precisione non appare un condizionamento e il rigore un limite.

Il tempo diventa una 'bolla' di creatività in continua auto-trasformazione: rispetto all'archivio figurativo diffuso nel passato, Sleeuwenhoek conserva l'unicità di un singolo oggetto, centralizzando su di esso la sua attenzione; sceglie di soffermarsi e di dedicarsi alla presenza del sonaglio dorato, costruendo intorno ad esso una realtà cromatica accesa, diremmo 'sonora'. Si tratta di una ricerca che corrisponde ad un'ulteriore fase di concettualizzazione del linguaggio in cui i due soggetti si contaminano, sollecitando la reciproca reazione.

Andrea B. Del Guercio

ANTONIO FLAMMINIO Oggetti pittorici per la ginnastica mentale

Gli Oggetti pittorici per la ginnastica mentale appartengono al “periodo razionale” che Antonio Flamminio ha attraversato nel corso degli anni Settanta, culminato con il complesso allestimento ideato per la mostra “Arte e scienza” (Teatro del Falcone di Palazzo Reale, Genova, 1979), tesa a vagliare le possibilità di rapporto tra i due universi ideativi, cui appartiene la grande “Bandiera” nuovamente esposta in questa occasione. 

Si tratta di opere che accoglievano la lezione dell’astrattismo geometrico, diffusamente praticato in Italia nei decenni precedenti, in una versione del tutto personale che fondava l’elaborazione della forma su rapporti predeterminati e la modulazione del colore su formulazioni matematiche elementari.

A queste modalità costruttive Flamminio associava un intento etico, intrinseco per un verso alla stessa dinamica progettuale, ma connotato socialmente: l’artista vi poneva in essere, infatti, una prassi compositiva tale da consentire allo spettatore di “possedere” l’oggetto-quadro mediante l’identificazione dei criteri in base ai quali era strutturato, direttamente avvertibili all’analisi, aggirando lo scoglio della dipendenza da retrostanti componenti culturali complesse. 

“Il fruitore – annotava Flamminio in uno scritto coevo – può, attraverso la scoperta dell’impianto costruttivo, percorrere a ritroso l’esperienza dell’autore e giungere così al cuore concettuale dell’opera, incontrando sulla sua strada l’attraente ostacolo del bello artistico”.

Ma, al di là di questa “funzione pedagogica”, intesa a proporre un linguaggio estetico comprensibile a chiunque voglia riflessivamente accostarvisi, nelle tele di Flamminio si innesta una funzione immaginativa che muove da un alfabeto essenziale, fatto di proporzioni, di bande verticali e orizzontali, di rari elementi obliqui, di graduazioni cromatiche attentamente governate e talora sovvertito da tratti curvilinei, quando non direttamente ispirato a teoremi euclidei, per giungere ad esiti di una quieta felicità visiva, in costante trasformazione.

Sandro Ricaldone

Cercare continuativamente delle idee che siano all’insegna dell’equilibrio tenendo sempre attiva la tensione che mi serve soprattutto perché non si diano dei cali di energia. Da qui la definizione di percorsi e strutture per inventare nuove spazialità, magari appena intraviste, connesse a una forma, quindi all’inesistente, insomma a un pensiero. Lavoro in sostanza sul vuoto: che si delinea, si dilata e così facendo dà luogo all’invenzione, a dimensione altra, fino alla definizione di uno o più spazi in cui l’osservatore può entrare e uscire come attraverso un ‘gioco’ serio, rimanendone forse contaminato. Utilizzo principalmente la luce, è molto importante per me, diventa strumento compositivo e diventa forma, mi permette di creare scenografie che dialogano con lo spazio in bilico fra realtà e invenzione, architettura e idea, teatro e vita, nascono accordi come nella musica, che regola ogni rapporto creativo. Perché qualsiasi suono, anche i rumori, sono musica: John Cage diceva che anche ogni rumore è musica, basta saperlo organizzare.

Maya Zignone

Lo spazio non è una struttura astratta e geometrica, ma l’estensione reale dell’intuizione e dell’esperienza.

“Una linea è soltanto una linea”, scriveva Piero Manzoni sessant’anni fa. “Just Light” recita una delle opere di Maya Zignone esposte in questa inedita occasione genovese. Effettivamente si può far risalire agli anni Sessanta, a quella fervente e rivoluzionaria epoca – minimalista e concettuale, ma anche carnale, sensibile, ecologista e sociale – l’origine del linguaggio espressivo di Maya. A dimostrarlo non è soltanto l’esplicito utilizzo del neon colorato, teso a costruire relazioni con l’architettura e lo spazio, sempre e comunque rivolgendosi all’interlocutore emotivo e psicologico umano. C’è di più. Un segno primario, che corre e attraversa tutte le sculture, le fotografie e le foto, restituisce il senso installativo, ambientale e performativo ai diversi media impiegati dall’artista. Si tratta di un segno pre-linguistico ma anche post-industriale e post-tecnologico. Si tratti di un tondino di ferro spiralato o di una serpentina di neon orizzontale, questo segno ha origine nel profondo sentire emotivo di Maya Zignone e inizia a prendere forma dal disegno. Stupisce pensare che alla base di questi ambienti immersivi e multimediali ci sia il disegno: matita e gomma per governare equilibri tra pieni e vuoti. L’azzeramento di forma e colore è astrazione necessaria a ripulire la mente dal turbine di immagini, segnali e stimoli cacofonici con cui lo sciame digitale amplifica l’ideologia del consumo. Il silenzio del foglio bianco è una tabula rasa dalla quale ripartire: la matrice virtuale che restituisce corpo e sostanza a spazi mentali. Stabilizzate le tensioni in vettori e contrappunti grafici, Maya Zignone può invadere lo spazio tridimensionale e confrontarsi con il corpo, prima di tutto, ma anche con i ritmi, le pulsioni e le difficoltà del reale. In generale l’opera di Zignone ha molto a che fare con il concetto di cura. Si tratta infatti di un lavoro teso a sviscerare e rammendare i meccanismi che innescano il blocco comunicante fra individui. Nel confronto con lo spazio e con il pubblico, anche la luce colorata del neon e la fotografia diventano energie da organizzare. Si percepisce pertanto un equilibrio interno ad ogni singola opera, ma anche un bilanciamento stabile, fortificato dalle relazioni che i lavori stabiliscono reciprocamente attraverso una precisa funzione fondamentale, variabile ma sempre costante e interna allo spazio, una funzione che non è altro che la nostra umana e spogliata presenza.

Luca Bochicchio

La mostra Approssimazione infinita di Mauro Ghiglione, che torna dopo tre anni con una personale nel nuovo Spazio Unimedia, e che è corredata da un catalogo con testi, riflessioni ed osservazioni  dell’autore - edito da Sagep - Genova,  presenta un insieme di opere d’arte contemporanea con decisi riferimenti all’arte concettuale.

Le opere in mostra sono state realizzate con un uso ineccepibile della forma, con le quali l’artista esplora l’interazione tra la forma stessa ed il suo contenuto per arrivare ad un componimento che, come Ghiglione stesso scrive in catalogo: [..] può essere tutto e il suo contrario, alla ricerca di una minima dilatazione, un’opera che, paradossalmente, può perfino non esistere a condizione che qualcuno la racconti.

Le opere di Ghiglione esplorano l’idea che la forma sia insieme un elemento plastico, un mezzo espressivo, ed un concetto. Nella sua ricerca, l’artista cerca di raggiungere un equilibrio dinamico tra le diverse forme espressive utilizzate, incoraggiando una relazione tra le strutture formali e l’ambiente circostante.

L’esposizione presenta una ricerca il cui risultato è una mostra con opere che sfidano le convenzioni dell’arte concettuale e sottolineano da un lato l’importanza della forma come mezzo espressivo ed evocativo, dall’altro il pensiero radicale sintetizzato in concetto, incoraggiando così la riflessione quale fosse unica modalità di rappresentazione. 

La mostra darà al visitatore l’opportunità di esplorare tale relazione e di riflettere sui limiti della rappresentazione visiva in modo tale che, per utilizzare ancora parole dell’autore: [..] il momento descrittivo e il momento espositivo/valutativo sono connessi in un rapporto di sinergia tale da rendere inutile qualunque tentativo di catturare un aspetto del significato indipendentemente dall’altro.

La mano che fa dondolare la culla è la mano che regge il mondo (William Ross Wallace)

“Bene, queste sono le stesse sensazioni che mi danno le immagini tratte dai suoi video: le mani che si lavano strofinando una saponetta, fino all’esaurimento della stessa, la montagnola di sabbia che le mani costruiscono sulla battigia, dove l’onda la ritrasforma immediatamente in minuscoli frammenti, le mani a coppa che raccolgono l’acqua che inesorabilmente scivola tra le dita. E’ tutto un fare che non porta a nulla, ma trova la sua ragione proprio nel fare stesso.”

Cominciare un testo con un’autocitazione non è probabilmente qualcosa che potrebbe essere insegnato in una scuola di scrittura… Ne sono consapevole, ma sono consapevole anche della libertà che è concessa a chi si occupa di arte da più di 50 anni. Sono nella stanza dove abitualmente lavoro, e di fronte a me, in alto, è appeso un lavoro di Giulia Vasta, proprio la fotografia di due mani che stanno ammucchiando la sabbia come se fosse farina pronta per fare il pane. Ho davanti a me il testo con il quale mi “racconta” la sua mostra, testo accompagnato da immagini molto  belle che saranno poi le opere esposte. Sono decisamente incantata… la ragazzina che ho conosciuto più o meno 10 anni fa, innamorata della pittura che era già in grado di dominare perfettamente, è diventata un’artista “adulta”, sicura di sé, del suo fare e delle ragioni che la spingono a fare.

Qualunque cosa presenti, qualunque immagine, ha il suo input in un gesto, quello che Claudio Costa aveva definito “…l’antico gesto di fabbricazione”… le mani che impastano il pane, che sciolgono i nodi, che stendono la carta stropicciata… E’ tutto un fare, “una serie di piccole azioni semplici registrate in video con inquadratura in soggettiva sulle mani e dai quali vengono estratti e messi in sequenza solo alcuni frame… “.

Avanti Giulia…il tuo è un inno all’amore!

Caterina Gualco, 13 gennaio 2023

Il lavoro di Giulia Vasta si percepisce con tutti i sensi. Nello spazio indefinito delimitato dalla cornice viene rievocata la melodia della carta che si stropiccia, delle mani che muovono i piccoli oggetti e plasmano i materiali.

Un laboratorio di continua ricerca della forma perfetta, sempre in crescita, in evoluzione, un perenne creare “non finito”. Vedere, ascoltare, respirare e toccare. La mostra si propone come un’esperienza multisensoriale, ad occhi aperti, coerente nella sua varietà; un percorso di lavori eseguiti in momenti diversi ma con un robusto filo conduttore. Estrapolare un frammento del reale per proteggerlo e conservarlo gelosamente è come una madre che in maniera istintuale difende la sua creatura dal mondo esterno.

Questa delicatezza, questo senso di protezione e di torpore uniti in una straordinaria esplosione di energia tutta femminile conquista lo spettatore, che si fa parte del miracolo della creazione.

L’intimità che si intuisce nella scelta dei materiali e nella realizzazione multisensoriale delle opere, rievoca l’ambiente del ventre materno, dove l’ascolto dei suoni ovattati dell’ambiente “al di fuori” avviene come primissimo approccio al mondo e si fa sempre più confortante e familiare a poco a poco, giorno dopo giorno.

Giocare con i sensi e le suggestioni, senza mai esagerare, rimanendo nello spazio garbato e confortevole che non ha bisogno di stupire per essere eccezionale, con la curiosità della bambina che esplora l’indefinito per dargli forma, per poi cancellare tutto e ricominciare da capo rimanda al ciclo continuo e infinito della vita.

Grazia Previati, 12 Gennaio 2023

«Essere è cambiare nella relazione con l’altro, rimanendo se stessi», «Aprirsi all’ignoto che nasce dall’incontro» (Glissant, Noudelmann)

Nato a Parigi, nel 1953 da una famiglia di artisti, Blaise Patrix si forma al di fuori delle rotte consuete. Grande viaggiatore, percepisce se stesso come una sorta di migrante particolarmente sensibile alla diversità dei punti di vista. La curiosità, il caso e l’intuizione hanno un ruolo importante nella sua vita e nel suo lavoro.

L’esperienza maturata avendo vissuto per vent'anni in un quartiere operaio dell’Africa Occidentale, lo ha positivamente influenzato al punto di renderlo orgoglioso di aver ottenuto la cittadinanza del Burkina Faso. Il suo lavoro è stato apprezzato  internazionalmente (USA, Caraibi, Africa, Europa, Cina). Blaise Patrix esplora, sia in studio sia in strada nell’interazione con il pubblico, mediante progetti che ama chiamare di « Art Socia(B)le », l’impatto relazionale della ricognizione sotto tutti i suoi aspetti:  conoscenza di sé, dell’altro, e del divenire, esplorazione, identificazione, gratificazione e gratitudine. 

Nel suo studio Blaise Patrix esplora, attraverso cicli di opere  successive o parallele, le molteplici possibilità di esprimere con la pittura ed il disegno, ciò che egli percepisce dell'evoluzione del mondo.  Della serie « les anges déchus » realizzata con tecniche differenti, opache e trasparenti,  a partire da macchie astratte prodotte con l’inchiostro grasso con la stampa a monotipo, egli dice:«Curiosità, attenzione, lucidità, rispetto:  dipingere è talvolta trovare il significato dei sogni. Il futuro dipende da ciascuno di noi, i nostri occhi diventano più chiari quando vediamo noi stessi attraverso gli occhi degli altri, le nostre caratteristiche si rinforzano, i nostri preconcetti si destabilizzano. Nel bene e nel male risorgono gli angeli caduti». (...) Le forme che crea con la diffusione organica dei pigmenti al suolo, i riempitivi e i leganti oleosi e sintetici, contrastano con la razionalità dell’angolo retto.  Un sottile supporto di tessuto non tessuto garantisce resistenza, flessibilità e malleabilità al risultato.  L’utilizzo dei pigmenti fotoluminescenti restituisce per un lasso di tempo nell’oscurità, la luce immagazzinata. La discrepanza tra ciò che appare a seconda della luce, mette in discussione le certezze dell’osservatore. 

Dopo una quindicina di anni di silenzio volontario, Blaise Patrix propone di nuovo la sua produzione artistica. « Fino ad ora l’umanità non aveva mai avuto così tante informazioni sulla vita e sull’alterità. E’ una grande opportunità per imparare a vivere oggi. Ogni nuovo giorno è ricco di nuovi incontri».

Pascal Vrignaud, 2022

Tutto appare perfetto, ogni foglio compiuto, ogni pagina ed ogni libro completato.

Andrea B. Del Guercio

Ho trovato una perfetta relazione tra la "natura" dello studio di Sleeuwenoek a Berlino e il suo lavoro, tra la grande luminosità che ampie vetrate raccolgono dalla luce di nord-est e la cultura 'limpida' delle sue opere, e ancora l'ordine che tavoli e librerie forniscono ad una volontà estetica compositiva. Ho potuto osservare come lo spazio in cui l'artista vive e opera possa rappresentare non solo un luogo operativo ma anche offrire una perfetta condizione di osservazione e di studio, fino a suggerire l'idea che sia creata quell'unità inscindibile tra arte e spazio in cui lo stesso artista si muove facendone parte. Tutto sembra condotto verso la ricerca di un equilibrio tra dati la cui diversità non spaventa il suo artefice; l'elaborazione di un'opera risulta il frutto esemplare di una sapienza espressiva maturata nel tempo; ogni 'pagina' e i diversi 'libri' e gli oggetti-sculture nascono da procedure che hanno saputo piegare l'occasionalità verso una nuova serie di valori. Attraverso un controllo attento degli strumenti linguistico-visivi, in particolar modo adattando il collage alle sue necessità espressive, Ben Sleeuwenhoek ha saputo promuovere il dialogo sperimentale tra frammenti iconografici e suggestioni cromatiche elaborando un vero e proprio patrimonio 'enciclopedico'; negli anni l'azione caleidoscopica di raccolta ha prodotto un vero e proprio "Archivio della Cultura e dell'Arte" confermando il ruolo del collage nella definizione a carattere progettuale della pittura contemporanea, così come è avvenuto con la saldatura per la scultura. Mi sono posto di fronte al volume antologico "Een keuze" in cui si racconta la storia artistica di Sleeuwenhoek fra il  1987 e il 2001, scoprendo quanto il rapporto di continuità con il presente indichi la contaminazione tra una grande ricchezza di idee e una metodica processualità sperimentale; attraverso un insistito lavoro di selezione dei più diversi e tra loro distanti apparati iconografici, spesso provenienti dal patrimonio sociale, giunge, opera dopo opera, ad una sempre nuova grammatica. L'ambito e le dimensioni globali della 'scrittura per immagini' vengono sottoposti da Sleeuwenhoek a indagine e revisione; sottoponendo ad un processo di rielaborazione frammenti e soggetti, temi e spunti, giunge a dar loro una nuova forma con risultati esemplari e un'impaginazione che non può essere messa in discussione. Tutto appare perfetto, ogni foglio compiuto, ogni pagina e ogni libro completato così che la precisione non appare un condizionamento e il rigore un limite. Sulla base di una presa di visione diretta del luogo di lavoro con caratteristiche di concentrazione intellettuale, di registrazione di una particolare attenzione alla cultura dei materiali e quindi di apprezzamento e di condivisione con la grande sensibilità di Sleeuwenhoek, risulta che tutto ciò avviene in una sorta di sospensione del tempo; non si tratta, per ogni carta o libro o scultura, di un avanzamento a tutti i costi ma di una produzione frutto della trasformazione, determinata da un immobilismo produttivo, mai ripetitivo ma auto-rinnovativo che macina se stesso aggiungendo come un alchimista frammenti che rinnovano. Il tempo diventa una 'bolla' di creatività in continua auto-trasformazione, da cui anche queste più recenti carte hanno origine e di cui sono testimonianza. Rispetto all'archivio figurativo diffuso nel passato, Sleeuwenhoek conserva l'unicità di un singolo oggetto, centralizzando su di esso la sua attenzione; sceglie di soffermarsi e di dedicarsi alla presenza del sonaglio dorato, costruendo intorno ad esso una realtà cromatica accesa, diremmo 'sonora'. Si tratta di una ricerca che corrisponde ad un'ulteriore fase di concettualizzazione del linguaggio in cui i due soggetti si contaminano, sollecitando la reciproca reazione.